Hommage - Roger Hargreaves

Qui ne connaît pas la série des Monsieur Madame ? Quitte à rendre hommage à Roger Hargreaves (né en 1935 et mort en 1988), dont le concept tout à la fois simple et génial, agrémenté de dessins au style reconnaissable entre mille, a marqué les existences de plusieurs générations d'enfants au regard encore innocent depuis sa création en 1971, je me suis dit qu'il serait bon d'ajouter un personnage à la liste déjà fort longue des créatures qui peuplent son univers enfantin. Quelque chose qui soit dans l'air du temps...

Hommage - Hans Ruedi Giger et Giuseppe Arcimboldo

Pourquoi mélanger le style biomécanique de Giger (artiste suisse né en 1940 et mort en 2014), le père des créatures cauchemardesques qui peuplent le film Alien, de Ridley Scott, avec celui d'Arcimboldo (peintre italien né en 1527 et mort en 1593), dont les créations grotesques ont marqué les esprits par l'aspect loufoque de ses portraits, pour la plupart réalisés de profil, avec des fruits, des légumes et des objets de la vie quotidienne ? Eh bien, pourquoi pas ? Au fond, ces mélanges surréalistes auxquels procédaient ces deux génies géniaux nous rappellent à quel point l'homme est le fruit (c'est là le mot juste) de son environnement, un environnement qu'il a lui-même considérablement modifié depuis son apparition sur Terre et qui, à son tour, comme dans les films de David Cronenberg, le transforme en profondeur.

Hommage - Ube Eert Iwerks

Ube Eert Iwerks. Ce nom ne vous dit rien, n'est-ce pas ? Et pourtant, c'est lui qui, en 1928, créa Mickey Mouse, le personnage emblématique des studios d'animation de son ami Walt Disney. Ce dernier refusait cependant que les créateurs qui travaillaient pour lui signassent (qu'on me pardonne ici ce subjonctif fort imparfait) de leur nom les œuvres qu'ils produisaient au sein de son entreprise, afin bien évidemment de promouvoir celle-ci. Voilà probablement l'une des raisons pour lesquelles nul ne connaît le nom d'Ube Eert Iwerks, en sus de la difficulté que d'aucun pourrait facilement éprouver à sa lecture.

A la vue de ma vignette, vous serez néanmoins certainement tentés, chers lecteurs, de penser qu'il s'agit là moins d'un hommage au créateur de Mickey Mouse que d'une critique à l'endroit de l'entreprise qui génère tant de profits sur son dos depuis la première moitié du vingtième siècle. Et vous n'auriez probablement pas tort. Quoi qu'il en soit, je tenais avant tout à m'amuser un peu avec ce personnage dont j'affectionne particulièrement l'aspect visuel et dont les dessins animés bercèrent, je suppose, bon nombre d'enfances autres que la mienne.

Hommage - Matt Groening

Avant de créer les désormais plus que célèbres Simpson, Matt Groening réglait ses comptes et régalait ses lecteurs (eh oui, ses lecteurs !) de strips désenchantés, cyniques et décalés, dans une série intitulée Life is Hell, que l'auteur publiait lui-même à ses débuts en 1977 (il n'y mit fin qu'en 2012). Beaucoup plus personnels et d'un niveau intellectuel nettement plus élevé que Les Simpson, ces strips sont marqués tout à la fois par la patte graphique de l'auteur, simplissime en apparence, caricaturale et très enfantine, et la profondeur des réflexions qui les traversent et saturent des cases parfois difficiles à lire tant il y a de bulles, de notes et de commentaires, à tel point qu'on a souvent l'impression de lire un journal intime. Et c'est probablement le but. C'est d'ailleurs là que réside selon moi tout l'intérêt de la chose. Matt Groening, quel que soit le sujet (la vie, l'amour, le travail, l'école ou l'enfance), touche souvent juste et son humour grinçant, s'il peut faire sourire, semble néanmoins avoir pour objectif principal de ramener son lecteur face à lui-même, de l'obliger à prendre de la distance et de le faire s'interroger sur le monde dans lequel il évolue, les êtres humains et, surtout, sa propre existence.

Hommage - Grant Wood

American Gothic est probablement l'un des tableaux américains les plus connus aujourd'hui, au même titre que les peintures d'Edward Hopper. Lorsque Grant Wood décide en 1930 de peindre ce couple de paysans austères debout devant leur demeure néogothique - j'ai découvert il y a peu qu'il s'agissait en réalité d'un père et de sa fille mais ai décidé pour mon strip d'en rester à ma première impression -, l'Amérique est alors en pleine crise économique et les critiques en proposeront bon nombre d'interprétations, parfois contradictoires mais toujours en rapport avec leur temps. S'agit-il d'une satire de la société rurale américaine ou bien d'un hommage à cette dernière, avec ses traditions, ses valeurs et la dureté des caractères qui s'y forgent à la fourche comme au fourneau ? Cette famille est-elle en deuil, comme semblent le suggérer les rideaux fermés à l'étage en pleine journée (c'était la coutume à l'époque de l'Amérique victorienne), ou bien le peintre a-t-il décidé de faire le portrait symbolique d'une Amérique endeuillée par la perte de ses racines ?

Peu m'importe, au fond. J'aime ces visages durs au regard froid, cette maison sombre et sobre, ces couleurs ternes et cette composition dépouillée qui rend compte de la simplicité d'un temps tout à la fois plus simple et moins souple que le nôtre, où les vies humaines se réduisaient encore à l'essentiel. Et s'agissant d'agriculture, comment pouvais-je résister à la tentation d'y fourrer mes porcs et de détourner le tout par l'ajout des quelques cochonneries dont je suis désormais coutumier ? Quant à l'interprétation de mon interprétation de l'interprétation de Grant Wood, je suppose qu'on pourra toujours me reprocher le fait qu'on ne sache pas si c'est du lard ou du cochon. Et, comme vous pouvez vous en douter, je m'en accommoderait fort bien !

Hommage - Vanitas

Quand on parodie une oeuvre, c'est en général une oeuvre qu'on apprécie. Cette vignette ne déroge pas à la règle, qui reprend le tableau de Philippe de Champaigne intitulé Vanitas. Réalisé en 1671, ce dernier,  sous-titré "Allégorie de la vie humaine", s'inscrit dans la tradition dite du Memento mori, un genre artistique dont le nom latin signifie "Rappelle-toi que tu vas mourir" et qui semble se donner pour but de faire prendre conscience aux hommes de la vanité de toute entreprise terrestre, la mort rendant futiles richesse et réussite, au même titre qu'échec et pauvreté, qui perdent toute valeur au jour de notre trépas.

Dans son tableau, Philippe de Champaigne juxtapose de manière symétrique une tulipe, un crâne et un sablier, faisant ainsi le portrait symbolique d'une humanité définie par une vie fragile (la tulipe, dont un pétale commence déjà de s'incliner, manifestant ainsi le début du déclin) menacée par le passage inexorable du temps (le sablier), qui l'oblige à faire face à la peur qui la fonde, celle de la mort, le regard du spectateur ne pouvant éviter de s'enfoncer dans les orbites creuses du crâne situé au centre de l'oeuvre (et que j'ai malicieusement remplacé par un champignon). L'aspect épuré de cette peinture empêche toute distraction. Nous sommes donc, seul face à nous-mêmes (une impression de solitude infinie me prend à la vue de cette tablette dépouillée sur fond noir, baignée d'une lumière terne et froide), amenés à nous interroger sur notre propre rapport à la mort et, par la même occasion, songer qu'au fond nous n'avons pas de raison d'accorder tant d'importance à ces petites choses qui rendent parfois le monde matériel si compliqué.

La prise de conscience de la mort, les angoisses nées de cette dernière et sa conceptualisation sont selon moi ce qui fonde toute civilisation, ce que toute création humaine, d'une manière ou d'une autre, nous rappelle : nos innombrables sépultures, les pyramides et le Taj Mahal sont autant d'exemples de l'importance que revêt à nos yeux cette transition de la matière organique qui nous constitue d'un état à un autre, dont nous ne savons pas grand-chose mais dont nous connaissons avec certitude la fatalité. Cette impossibilité de savoir, doublée de la contradiction qui consiste pour l'homme à lutter pour survivre tout en sachant très bien qu'il mourra, engendre en lui comme une faille, un gouffre où s'engouffre son imaginaire, qui n'a jamais eu de cesse de le combler d'images et d'idées, de concepts et de conceptions, de projets et de projections, dans le but unique de se rassurer, autrement dit de se donner l'illusion de contrôle ce qui pourtant lui échappe (le cauchemar n'est-il pas, lui aussi, paradoxalement, le moyen que trouve l'enfant de combattre sa peur du noir ?). Dans 2001, L'Odyssée de l'espace (1968), Stanley Kubrick matérialise cette recherche de maîtrise sous la forme d'un monolithe noir dont la géométrie parfaite donne forme à l'informe, et l'impalpable de devenir palpable - en apparence - par le truchement d'une stèle géante.

Hommage - Auguste Rodin

Pourquoi Le Penseur, cette célèbre statue créée par Auguste Rodin en 1882 et qui devait à l'origine illustrer l'un des épisodes de La Divine comédie de Dante, me parle-t-il tant ? Ce poète aux portes de l'Enfer devenu plus modestement et plus universellement penseur dans sa version finale, avec son corps musclé, sa position de méditation métaphysique savamment calculée, son regard plongé dans les méandres de son labyrinthe intérieur et l'impression générale de repli sur soi qu'il donne à voir tout en se dérobant au regard du spectateur, ce philosophe solitaire, disais-je, imperturbable et dénudé, symbole selon moi d'un rapport honnête et simple au monde ainsi qu'à soi, fonctionne tout à la fois comme un miroir et, par conséquent, comme une invitation directe à la réflexion.

Connaissance de soi, silence et solitude sont les clefs du savoir et de la vérité. En quête de sens, ne nous laissons pas divertir. Restons concentrés, comme ce penseur, débarrassé des oripeaux du monde moderne, où l'âme se meurt de ne plus pouvoir respirer, prisonnière du bruit, d'une matérialité délétère et d'idées qui ne sont pas les siennes. Esprit sain dans un corps sain, le penseur poursuit sa voie, sans pour autant nous inviter à le suivre. Ce qui l'entoure, en effet, semble lui être indifférent. Nous sommes donc libres. Libres d'interpréter à notre guise sa prise de position (dans tous les sens de l'expression), de l'admirer et d'adhérer ou non au message qu'il peut à son insu nous faire passer et qui ne saurait être autre chose qu'une projection. Et si cette statue nous interroge, notamment sur notre propre nature, il se pourrait également qu'elle nous apporte une réponse sous forme de définition : l'homme est au fond le miracle par lequel la matière est devenue consciente d'être.

En ce qui me concerne, ce penseur me rappelle surtout quelqu'un que j'ai la prétention de connaître plutôt bien : moi-même. Réfléchissant à tout vingt-quatre heures sur vingt-quatre depuis que je suis en âge de le faire, je n'ai de répit que dans mon sommeil et recherche activement, et ce de manière vitale depuis mon entrée dans le monde du travail salarié, ces moments de retrouvailles avec moi-même qui me permettent de prendre le recul nécessaire pour analyser, encore et encore, ce qui m'obsède, me travaille ou me fascine, ou tout simplement rêver et m'adonner à l'une de mes occupations favorites : la création sous toutes ses formes.

Et vous, que vous inspire ce penseur salutaire ?

Hommage - Mario

Pourquoi rendre hommage à Super Mario Bros ? se demanderont certains. Un jeu vidéo ! Eh bien tout simplement parce que j'en ai envie. Et puis, il faut bien le dire, parce que c'est l'une des œuvres - j'ose le dire - qui ont bercé mon enfance et nourri mon imaginaire. Sur le plan ludique, il va de soi que le concept imaginé par Shigeru Miyamoto en 1985 pour la console de salon de Nintendo, la célèbre NES, était plus novateur encore que son prédécesseur, sorti sur borne d'arcade en 1983.

Super Mario Bros était un jeu de plates-formes (de formes plates, donc) au propos pour le moins étonnant : un plombier moustachu devait tirer une princesse (non, ce n'est pas encore ce que vous pensez, bande de petits cochons !) - la tirer, disais-je, des griffes d'un vilain dragon, le tout en ramassant des pièces, se glissant dans divers tuyaux et combattant des tortues, des lanceurs de carapaces ornées de pics et des champignons qui, parfois comestibles, permettaient de grandir, ceci sans compter les fleurs, qui octroyaient à ce gras du bide agile vêtu de rouge et de bleu de changer de couleur et de se mettre à lancer des boules de feu sur ses ennemis.

Le tout était extrêmement bien pensé, la manette de la NES permettant une simplicité dans le gameplay qu'on peinerait à retrouver de nos jours : une croix multidirectionnelle pour se déplacer, un bouton pour courir et un autre pour sauter. Sur le plan visuel, les décors étaient tout à la fois minimalistes et beaux, avec ses fonds noirs ou bleus, ses arbres verts ou blancs, ses châteaux faits de briques rouges et ses nuages blancs pixélisés, tandis que tout était fait pour rendre évident le rôle des éléments présents à l'écran, du brillant de la pièce qui pousse le joueur à la prendre à la rotondité du chapeau des champignons, qui n'était autre qu'une incitation graphique à leur sauter dessus, tout était clair au point d'en devenir intuitif : l'ennemi l'était parce qu'il se rapprochait de vous, tandis que ce qui était bon pour vous s'éloignait.

Il y avait quelque chose de magique dans cet univers, contrôlable du bout des doigts, dans ces graphismes limités mais parfaitement exploités, dans ces bruitages reconnaissables entre mille et dans les musiques inoubliables de Koji Kondo, composées, ne l'oublions pas, dans le but de tourner en boucle sans pour autant lasser le joueur. Super Mario Bros, c'est l'un de ces moments, dans l'histoire du jeu vidéo, qui fit de la création de ces espaces vidéoludiques au but commercial manifeste un art à part entière - et de Nintendo le Disney de cette nouvelle forme artistique.

Objets - réalisation de la couverture de mon deuxième recueil poétique

Comme certains d'entre vous le savent peut-être déjà, je ne me contente pas de mes Histoires cochonnes pour m'exprimer, bien qu'il s'agisse pour l'instant de mon projet le plus populaire. En sus de mes dessins humoristiques, j'écris également de nombreux textes dans des formats divers, l'un d'entre eux se trouvant être le poème. Il y a peu, paraissait ainsi mon deuxième recueil poétique, Objets, disponible aux éditions Stellamaris : cliquez ici si vous voulez le voir ou l'acheter. Ce fut l'occasion pour moi de réaliser une couverture que je pense digne de ce nom. Voici les différentes étapes de cette création, dont le style est dans la droite lignée de mes Histoires cochonnes :

1. Étapes préliminaires :

Le crayonné

L'encrage

Le gommage

Les aplats noirs et les ombres

Le seuil sous Gimp, pour
accentuer les contrastes.

Une première colorisation sous
Gimp, dont je suis peu satisfait.

2. Résultat final :

Après plusieurs heures de colorisation sous Gimp, je suis
enfin satisfait de mon travail et me dis qu'il est grand temps de m'arrêter.

Hommage - Dilbert

Tête de pouce, coiffure incompréhensible, cravate en érection, voici Dilbert, employé de bureau cynique et désabusé par le truchement duquel Scott Adams, son créateur, commente depuis 1989 le monde de l'entreprise, ses travers, ses contradictions et son fonctionnement pour le moins ubuesque, dans des strips en trois cases caractérisés par un graphisme souple, sobre et simple, un vocabulaire assez riche et des situations cocasses où l'absurde règne en maître.

Dilbert est une série tout à la fois si pertinente et percutante qu'elle valut à Scott Adams de se faire licencier de l'entreprise dans laquelle il travaillait à l'époque de sa création pour des raisons qui me semblent évidentes : ses critiques acerbes gênaient quelque peu ses employeurs, qui se sentaient, à juste titre, visés. Fort heureusement, le succès de Dilbert permit à son génial géniteur d'en vivre en vendant nombre de livres et de produits dérivés (il y eut même une série télévisée) grâce au système qu'il critiquait.

Il n'en demeure pas moins que la lecture de ces strips lors de mon entrée définitive dans le monde du travail me permit d'observer avec beaucoup plus de légèreté la lourdeur de l'administration dans laquelle j'évolue, pesante à bien des égards pour les individus indépendants et rêveurs. Cette distance est un soulagement bienvenu dans un univers d'adultes qui se prennent souvent beaucoup trop au sérieux et s'aliènent dans des tâches parfois dépourvus de sens pour se donner l'illusion d'être utiles.

Merci donc à Scott Adams d'avoir offert au monde du travail cet exutoire indispensable qu'est Dilbert !

Hommage - Osamu Tezuka

Le deuxième dessin animé tiré de l'oeuvre d'Osamu Tezuka, j'ai nommé Astro Boy, plus connu dans nos contrées sous le nom d'Astro, le petit robot, est la première série dont je parviens à me souvenir, même si quelques bribes seulement restent accessibles à ma conscience. Je suis donc, vous l'aurez compris, amoureux depuis ma plus tendre enfance du style de celui qui est aujourd'hui considéré dans son pays d'origine comme le dieu du manga.

Pourtant je ne découvris les aventures imprimées du plus célèbre des petit robots, publiées de 1952 à 1968 au Japon, que tardivement, après m'être plongé dans La Vie de Bouddha, l'un de ses chefs-d'oeuvre, dont la scène d'ouverture, avec ce lapin généreux qui se sacrifie pour sauver un homme en se jetant dans les flammes, a su tirer de moi quelques larmes dès les premières cases, et Black Jack, une histoire tout à la fois sombre et légère inspirée de l'expérience de Tezuka dans le monde de la médecine au cours de ses jeunes années, notamment pendant la seconde guerre mondiale.

Traversé par l'obsession du maître pour le bien, le beau et le vrai, par son goût prononcé pour la parabole et par des références multiples à la culture occidentale (Astro est une sorte de Frankenstein ou de Pinocchio moderne soumis aux trois lois de la robotique imaginées par Isaac Asimov et son graphisme est un héritage direct des dessins de Walt Disney, les deux auteurs s'étant voué d'ailleurs une admiration mutuelle), le manga porte un message éminemment positif, ce que ne laissait pas nécessairement présager le titre japonais, Tetsuwan Atomu. Ce dernier dévoile en réalité toute la philosophie du maître : la technologie n'est en elle-même ni bonne, ni mauvaise, seule la manière dont on s'en sert pouvant se révéler comme telle (une idée que reprendra James Cameron, féru de mangas, dans la plupart de ses films et, surtout, dans ses deux Terminator). Mieux, il n'est pas d'expérience négative (en l'occurrence, la bombe atomique) dont on ne puisse tirer quelque enseignement pour l'avenir et, par conséquent, quelque chose de bon.

Bien entendu, l'ensemble a vieilli, sans compter que le mangaka visait avec son Astro le jeune public, ce qui peut donner à des adultes l'impression d'une certaine naïveté, tant dans le trait que dans les dialogues et la narration. Je trouve au contraire dans le charme désuet de ces petites histoires une innocence revigorante et retrouve un élan d'espoir qui semble avoir aujourd'hui déserté les esprits. Cet enfant-robot du futur, version japonaise des super-héros américains, prêt à tout pour faire triompher ce qu'il considère comme juste, ne nous fait-il pas savoir, par son existence même, aussi fictive soit-elle, que rien n'est impossible et qu'il faut avoir confiance en l'avenir, celui-ci n'étant au fond que ce qu'on en fait ? C'est à cet optimisme, en tout cas, que semblera répondre quelques décennies plus tard Katsuhiro Otomo dans Akira, un manga dont l'univers est tout aussi futuriste mais beaucoup plus noir...

Hommage - Philippe Geluck

Qui ne connaît pas Le Chat, créé par l'artiste belge Philippe Geluck en 1980 pour les faire-part de mariage de son créateur, avant de devenir une star du strip satirique dans le journal Le Soir à partir de 1983 ? Son graphisme épuré, ses couleurs vives et ses saillies percutantes, pertinentes, impertinentes, ont marqué plusieurs générations de lecteurs, dont l'auteur de ces lignes, qui trouva tardivement dans cet humour unique une source intarissable d'inspiration. Je ne pouvais donc pas ne pas rendre hommage à ce brave monsieur et à son chat, manifestement félin pour l'autre, pour ne pas citer le titre français de l'une des séries d'aventures d'un autre chat célèbre, auquel j'ai déjà rendu hommage ici.

Hommage - Goscinny et Uderzo

Est-il ici besoin de présenter les célèbres personnages créés en 1959 par René Goscinny et Albert Uderzo, j'ai bien sûr nommé Astérix et Obélix ? Il y a deux ans, je lus enfin, pour la première fois, les vingt-quatre albums réalisés par le célèbre tandem jusqu'à la mort du scénariste Goscinny en 1977, qui signa pour beaucoup le début d'une période moins glorieuse pour les aventures des deux Gaulois, désormais orphelins d'histoires originales et de dialogues savoureux. Demeureraient néanmoins les dessins ronds, expressifs et caricaturaux à souhait d'Uderzo, reconnaissables au premier coup d’œil et auxquels ma propre vignette, pour une fois, ne rend pas hommage.

Pour en revenir à mes lectures, je fus tout à la fois surpris et ravi d'y découvrir ou d'y redécouvrir des répliques toujours percutantes, devenues cultes ("Ils sont fous, ces Romains !") ou tout simplement piquantes, la satire sociale et politique que l'on y peut trouver agrémentant l'ensemble des différents niveaux de lecture selon moi nécessaires pour donner à toute oeuvre une certaine épaisseur, gage de sa réelle qualité. S'agissant de bande dessinée, il va de soi que ces histoires ne seraient rien si, tout comme les dialogues de Goscinny, les dessins du grand Uderzo ne leur donnaient vie - et quelle vie ! - par leur côté grotesque, les variations parfaites dans le trait, les couleurs vives et les expressions mémorables de tous les personnages, tous marqués par une personnalité visuelle qui leur est propre, le tout dans des décors eux-mêmes rendus vivants par le coup de crayon généreux du dessinateur.

Enfin, cerise sur le gâteau pour ceux qui, comme moi, se délectent des calembours en cascades, tous les albums sont parsemés de jeux de mots bien sentis et pertinents, auxquels saura plus tard faire honneur Alain Chabat dans son hilarante adaptation cinématographique, sobrement intitulée Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre (2002) et bien évidemment inspirée de l'un des meilleurs albums de la série, Astérix et Cléopâtre, sorti en 1965.

Anniversaire surprise - réalisation d'une affiche

Cette semaine, à l'occasion de mon récent anniversaire, j'ai décidé de faire une petite pause dans la publication de mes hommages et de vous proposer une création que j'ai réalisée pour le spectacle d'un ami, Stéphane Bernollin, qui s'intitule "Anniversaire de dingues". C'est l'occasion pour moi de vous montrer, par ailleurs, quatre étapes majeures de la réalisation de mes dessins, qu'il s'agisse de mes Histoires cochonnes ou de mes Hommages.

Tout d'abord, voici le crayonné, l'usage intensif d'un porte-mine et d'une gomme étant de mise :

Ensuite, vient bien évidemment l'encrage, effectué à l'aide d'un pinceau Pentel à l'encre de Chine :

Suivi, de fait, par un gommage nécessaire :

Enfin, je termine par la colorisation de l'ensemble sous Gimp, en prenant soin de travailler ombre et lumière afin de produire un rendu visuel plus ou moins esthétique et cohérent :

Dans le cas de cette affiche, dont l'impression ne peut se faire qu'en noir et blanc faute de moyens substantiels, je réduis simplement la saturation des couleurs au minimum afin d'obtenir une deuxième version du dessin :

Pour conclure, voici l'affiche qu'en a tiré Stéphane :

Il va de soi que tout cela n'a pas surgi de nulle part et qu'il aura fallu, en amont, discuter avec Stéphane de ce qu'il voulait pour son affiche. Après cette discussion, m'incombait la réflexion nécessaire au choix des personnages et de la manière dont ils seraient représentés. On notera au passage le déséquilibre relatif entre les côtés gauche et droit du gâteau, dû à la taille variable des guimauves (pour laquelle je n'ai pas la moindre explication, ne m'en étant rendu compte qu'à la toute fin de mon projet...). Cela ne m'empêche pas pour autant d'être très fier du résultat final et, surtout, de mon panda !

Hommage - Saint Seiya

Avec une semaine de retard (gastro-entérite, quand tu nous tiens !), je vous propose cette fois-ci mon hommage à l'oeuvre cosmico-mythologique de Masami Kurumada, que j'ai dévorée plusieurs années durant lors de la publication au format "de luxe" de ses premiers arcs (originellement publiés à partir de 1986 au Japon). Il faut le dire, si j'appréciais, enfant, les graphismes et les idées sur lesquels reposaient la série télévisée qui en avait été tirée, j'étais loin de lui vouer le culte que je voue aujourd'hui au manga : traînant en longueur et proposant la plupart du temps des histoires sans intérêt parsemées de dialogues plutôt creux et de scènes présentes uniquement dans le but de rallonger les épisodes, le série n'entraînait aucunement mon adhésion.

C'est la raison pour laquelle il me fallut des années pour me lancer dans la version papier. Et là, quelle agréable surprise ! Que de style, que de puissance, que d'évocations, dans les histoires comme dans le trait ! Je me laissai rapidement emporté pour n'en plus ressortir que des milliers de pages plus tard, la tête emplie de constellations, d'armures et de dieux. Oui, Saint Seiya m'avait appris, à vingt-cinq ans passés, à rêver à nouveau. Quel plaisir que de suivre les pas de ces héros du cosmos à travers leur combat contre le mal pour préserver l'équilibre de l'univers ! Alors, pour toutes ces heures de pur bonheur onirique et l'inspiration que vous avez su par votre art insuffler dans mon imaginaire endormi, merci, Masami Kurumada, merci !

Hommage - Lucky Luke

Une série d'hommages ne saurait être complète sans la présence du personnage créé en 1946 par le dessinateur franco-belge Maurice de Bevere, dit Morris, Le western humoristique né sous son crayon aura considérablement évolué au fil des ans, graphiquement et scénaristiquement (qu'on me permette ici ce modeste néologisme) parlant.

Si le trait a considérablement gagné en précision pour finir par donner à Lucky Luke l'apparence charismatique et caractéristique qu'on lui connaît aujourd'hui, c'est avec l'arrivée de René Goscinny à l'écriture que les aventures de celui qui tire plus vite que son ombre (donc à plus de 300 000 km par seconde, tout de même !) prennent un tournant décisif, avec des personnages hauts en couleur et des dialogues percutants, les albums réalisés par le tandem restant à ce jour parmi les plus connus (Billy the Kid, Calamity James, Dalton City...).

Pour la petite anecdote, l'une de mes premières bandes dessinées scénarisées, réalisée lorsque j'avais neuf ou dix ans, fait ouvertement référence à la célèbre série dans son titre, Luc et Luke. L'histoire, un buddy-movie parsemé de courses-poursuites en voiture et de batailles mémorables contre des hordes de créatures surnaturelles, n'a pourtant pas grand-chose à voir avec Lucky Luke, si ce n'est peut-être les décors désertiques, fort pratiques à dessiner pour quelqu'un qui, justement, ne sait pas dessiner.

Hommage - Dragon Ball

Moulinsart attaquant peu ou prou toute personne qui se permettrait de rendre hommage à Tintin, j'ai décidé cette semaine de ne pas vous proposer ma version du personnage d'Hergé mais de passer directement à une autre des œuvres qui m'ont, à bien des égards, le plus influencé : Dragon Ball.

Cette série de mangas créée par le génie génial Akira Toriyama  en 1984 (année de ma naissance) a grandement conditionné la structuration de mes rêves, de mes histoires et de mes premières BD, pendant la fin de mon enfance et le début de mon adolescence, l'imaginaire débridé (sans mauvais jeu de mots) de l'auteur japonais mêlant son humour bon enfant (qu'accentuent des graphismes parfaits, en équilibre entre rondeur et rigidité du trait, le tout marqué par de nombreuses références à la culture populaire, d'Astro Boy (pour les cheveux pointus) à King Kong, en passant par Frankenstein et les superhéros de comics américains), son goût prononcé pour les situations cocasses et sa vision de l'homme et du monde, dans un univers où tout devient possible, y compris le déploiement du fantasme de toute-puissance, qui nourrit et compense les frustrations liées aux confrontations de l'homme au monde réel et qui peut là, grâce à la fiction, trouver un exutoire tout en conservant son nécessaire statut de fantasme.

Enfin, la réflexion morale proposée par le maître, dépourvue de tout manichéisme, dépasse de loin le cadre simpliste et moralisateur de bien des œuvres destinées au jeune public - et c'est peut-être en partie là, d'ailleurs, qu'il faut chercher l'une des principales raisons de son immense succès. Toriyama ne prend pas ses lecteurs, quel que soit leur âge, pour des idiots, et ça fait du bien !

Hommage - Où est Charlie ?

Cette semaine, je rends hommage au personnage créé par Martin Handford en 1987, dont les aventures en double-page et les couleurs vives ont si bien su me faire perdre la tête et la vue des heures durant lorsque j'étais enfant. Je prends encore aujourd'hui un plaisir inénarrable à fouiner du regard dans les moindres recoins de ces dessins tout aussi minuscules que minutieux, à la recherche de bandes rouges et blanches, de clefs et de parchemins. Ad nauseam. Littéralement.

Hommage - Garfield

Voici le premier épisode d'une courte série d'hommages à des artistes dont la création, d'une manière ou d'une autre, influença mes Histoires cochonnes. Aujourd'hui, le célèbre chat créé par Jim Davis en 1978, dont l'opportunisme, les commentaires cyniques et l'appétit légendaire sont petit à petit devenus sa marque de fabrique - sa patte, comme on dit. Son style graphique témoigne également de celle de l'auteur, dont le trait (d'humour) a fini par acquérir, au fil du temps, cette personnalité particulière, unique, qu'il est possible de reconnaître au premier coup d’œil.

Histoire cochonne - l'art de finir en queue de cochon

Et voilà, chers lecteur, le moment tant attendu de la fin (la vraie, cette fois) de mes Histoires cochonnes est venu. Cette vignette est donc officiellement la toute dernière histoire et vient clore, "en queue de cochon", la quatrième saison, dont la version papier sera, comme il est désormais de coutume, bientôt disponible à la demande sur le site des éditions TheBookEdition. Celle-ci se verra compléter par une série de petites surprises, dont vous aurez le plaisir de découvrir une partie dans les semaines qui viennent sur le présent blog. 

Il n'est jamais aisé de mettre un terme à quoi que ce soit. Cependant, désireux de me lancer dans d'autres projets et m'apercevant que l'inspiration commençait à me manquer, j'ai pris la décision de mettre un point final à ce qui est et restera l'une des œuvres dont je suis le plus fier, afin de ne pas tout gâcher par des productions qui ne seraient pas au niveau de mes exigences et, surtout, d'explorer d'une autre manière les tréfonds de mon imaginaire pour le moins prolifique. Il va de soi que je vous tiendrai régulièrement informés de mes futures créations, et les plus curieux d'entre vous pourront, en attendant, s'aventurer sur mon site personnel afin d'y découvrir tout ce que j'ai pu faire en dehors des mes Histoires cochonnes jusqu'à maintenant. Allez-y, je vous garantis que ça vaut le détour !

Sur ce, bon strip, et que le porc soit avec vous !

Erwan Bracchi

Une seconde parenthèse picturale et poétique - l'imaginaire

Une fois n'est pas coutume, mon amie l'artiste calligraphe Agathe Richard a renouvelé l'expérience précédente en adaptant cette fois mon poème intitulé "L'imaginaire" sur un autre panneau de bois de 40cm x 40cm. Le résultat, tout aussi spectaculaire, nous emporte et nous transporte au-delà des mots, de l'espace et du temps, dans les contrées de l'âme et de ses constructions fantastiques, où quatre alexandrins coupés en deux font émerger des abysses un souffle libérateur et salvateur :

Trou noir de la raison – 

Cet îlot solitaire – 

Trait blanc sur l'horizon – 

Cet élan salutaire – 

Histoire cochonne - dessiner un cochon pour les nuls

Une petite parenthèse picturale et poétique - la mort

Chers cochons, chères cochonnes, j'ai l'immense plaisir aujourd'hui de partager avec vous cette oeuvre sublime, réalisée par une amie, l'artiste calligraphe Agathe Richard. Il s'agit d'une calligraphie sur bois de 40cm x 40cm basée sur l'un de mes poèmes, "La mort", qui figure dans mes Sujets (recueil paru aux éditions Stellamaris en 2015). On y reconnaît quelques vers - ce qui est somme toute assez logique, s'agissant de la mort ! - ainsi qu'un squelette tout droit tiré d'une danse macabre, le style gothique de l'ensemble se prêtant à merveille au thème abordé. Les mots me manquent pour décrire l'émotion que suscite en moi cette image issue de mes mots par la magie de son imaginaire. C'est beau, tout simplement.

Comme vous pouvez vous en doutez, je vous encourage vivement à vous rendre sur le site d'Agathe Richard, où vous pourrez découvrir, au fil des lettres et des pages, l'étendue de son talent. Croyez-moi, vous ne le regrettez pas !

Histoire cochonne - le nu

Pensée du jour de l'An

Sur cette pensée du jour de l'An, qui, je l'espère, vous échauffera l'esprit tout autant qu'elle vous réchauffera le cœur, je vous souhaite à tous une belle année 2017, emplie de joie, de cochonneries jubilatoires et de jarrets de porc. Que la farce soit avec vous !